Experimentación en el arte del performance, el collage y otros medios artísticos, en dos artistas representativos contemporáneos: Marina Abramovic y Silvano Lora.
El arte se manifiesta a través de medios plásticos, literarios o musicales. Conviene preguntarnos para el enfoque de este trabajo ¿Qué es el arte efímero? De acuerdo a La Real Academia Española; el arte permite manifestar ideas, revelar emociones, sensaciones y percepciones del creador e incluso del espectador a través de medios plásticos, literarios o musicales.
En cuanto al concepto efímero que estaremos desarrollando, como parte de este trabajo, la Real Academia Española lo define como: “un arte pasajero, de corta duración. El término efímero es un adjetivo calificativo utilizado, para designar aquellas cosas o circunstancias que no perduran. Es decir, que suceden de manera breve
.
Bajo el concepto del arte, se piensa desde otros parámetros como es el de la fugacidad en el tiempo. Se trata de un arte momentáneo y pasajero, el cual se compone de lo transitorio y se desvanece en el tiempo. Todo lo contrario, a las piezas de arte de siglos pasados, de otra parte, éste se vincula al presente, reflejándose en la rapidez de la vida y la globalización.
Dentro del arte efímero se exponen aquellas que se derivan de la acción, cuando el experimento se vuelve obra de arte. Según lo explican Nieto Medienta y Darío Humberto de la Universidad de Cuenca,[1] en su tesis titulada: La experimentación como ruptura a las formas de expresión canónicas del arte postmoderno.
Las expresiones artísticas tales como; el performance, el happening, el Land Art, las instalaciones, el teatro, el collage entre otros. Incluyendo esculturas y todas aquellas instalaciones, realizadas en las calles de ciudades para espectáculos urbanos conocido como los son; el arte urbano, arte de protesta, arte callejero entre otros, donde es vital la importancia de la luz y los diferentes materiales y formas que se utilicen. Debido a la brevedad de este tipo de arte, se documenta para atribuir perpetuidad de la obra. Esto se puede lograr a través de medios que capturen la imagen en el tiempo como la fotografía, el video y el dibujo.[2]
La performance surge en los años sesenta con el propósito de retar a la pintura, un medio que no puede colgarse en la pared. Sus orígenes se pueden localizar al margen del futurismo y el dadaísmo,[3] sin embargo, logra su auge como fenómeno del Art World entre las décadas del sesenta y setenta.
El triunfo de la performance debe ser entendido en la medida en que ésta afecte, a los que asisten y a activas interpretaciones, procesos intelectuales y sensitivos y no la simple afluencia de espectadores. Si no, como podríamos explicar la trascendencia de performances en la que no ha habido audiencia directa, aunque han devenido modelo de nuevas prácticas performativas.
Al inicio, los artistas que empleaban este medio eran radicales e innovadores. Una de ellas lo es Marina Abramovic, quien hoy día es una de las artistas que más ha ascendido dentro de este medio. Ella, ha recibido reconocimiento alrededor del mundo por sus piezas controversiales. El crítico de arte Arthur Danto habla de Marina Abramovic como la abuela del performance. Ésta utiliza su cuerpo para llevar un mensaje.[4]
Klaus Bisenbach, el curador de MoMA, en el documental “Marina Abramovic” The Artist is Present:” señala que la performance es real, no es una actuación. Afirma que si le quitas la sangre a la navaja y la reemplaza por una navaja de mentira y kétchup deja de ser real, deja de ser una obra performatica. Es decir, que la performance es un arte que pertenece a una acción, un espacio en movimiento. El cuerpo es el objeto de la pieza performatica. [5]
De manera que, el cuerpo es la herramienta de comunicación. ¿Entonces, cómo recordar y registrar el acto original? Utilizando como referencia el texto de Laguillo, Enfrentarse a la acción detenida, el registro del performance, partiendo de la base, se puede observar, que entre el acto original y su registro se producen una serie de pérdidas. Dichas pérdidas pueden afectar la ontología de la propia acción, pero al mismo tiempo pueden ser pensadas, en algunos casos, como el surgimiento de una nueva y diferente obra de arte. Es decir, que la documentación del acto se puede convertir en una obra por si sola.[6]
“El criterio empleado en tal clasificación ha sido ascendente, y se desplaza desde el registro más ligado a la performance, hasta el más independiente, teniendo en cuenta que uno de los puntos fuertes de la discusión, que sobre el documento lo adopte. Aún más transcendental y condicionante sea la recepción de la performance como de su registro. Por ello el trabajo ha implicado investigar el grado en que el dispositivo de registro estaba presente en prácticas concretas, así como las limitaciones de medio, tanto técnicas como humanas, y el peso que el artista atribuye a dicho registro.[7]”
En base a la investigación de Clara Laguillo, en su libro Enfrentarse a la acción detenida, se expresa sobre la documentación de la obra performatica como otra obra posible[8].
Esta, se enfoca en la última fase de la pieza, Luego del acto original se organiza y elige una serie ontológica de la pieza en sí. Un registro que documenta el acto en cronología o una pieza representativa del primer acto. Laguillo explica que esta documentación puede ser interpretada de una forma distinta al acto inicial y esto depende obviamente del receptor, el espectador y el ambiente donde se esté presentando cualquier elemento que pueda influenciar el mensaje de la documentación incluyendo la falta de movimiento. El aspecto estático de sí misma puede exhumar el contexto de la pieza; el mensaje puede estar mal interpretado o el artista puede querer evolucionar o darle otro contenido a la documentación que la convierta en otra pieza por sí misma. [9]
Finalmente cabe decir que la última etapa de la creación artística es la presentación y percepción de la pieza, basada en el acto antes mencionado por Laguillo, entendido como el colectivo mayor o menor, de personas que, según entendemos asiste pasiva o activamente a la performance. Lo cual es imprescindible para la constitución de la acción, puesto que esta solo obtiene sentido a través de su presencia. No solo su presencia sino sobre todo su interacción. Aunque sea solamente desde la contemplación, estos son capaces de determinar el éxito o el fracaso de la acción. Entendiéndose por éxito no la presencia masiva del público como tampoco podemos asociar el fracaso a la ausencia de público. [10]
Por otro lado, puede ser muy ambiguo debido a los matices. La performance puede ser planificada con anticipación y rigurosidad. Sin embargo, también es posible que la acción o las acciones sean realizadas de manera espontánea o random. Otra variante es la utilización comúnmente tomada por el artista, la estrategia de tomar acción frente a una audiencia, que vendría a ser quien percibe la obra, involucrando su participación, en algunos ocasiones,[11]
En la performance la acción cósmica no tiene que ser vista por otros, el artista puede estar presentándola en privado y continua siendo valida. El registro puede existir al igual que puede ser inexistente.
Podríamos hablar de otros artistas como la ya antes mencionada Marina Abramovic, Gilbert and George, Ana Mendieta y de proyectos que ponen sobre la mesa la tensión entre la recepción de la performance en directo y la de su registro.
En Abramovic, la exposición realizada en la primavera del año 2010 en el MoMA de Nueva York, “titulada Marina Abramovic: The artist is present singuingscultures [12] en caso de Gilbet y Gelorge que fue presentada en varios museos, entre ellos Tatemodern en Londres.
En ambos trabajos, se juega con la corporalidad, la necesidad de la acción en directo y la documentación performatica. El juego consiste en permitir que el público pueda asistir, es decir experimentar, algunas de las performances más trascendentales de la historia, hablamos del Body art, aunque ello implique de un lado, la descontextualización histórica de las mismas, y del otro, una apropiación de conceptos ajenos, y su inevitable revalorización, o precisamente la renovación de la recepción gracias a ambas transgresiones.[13]
Abramovic tiene un documental sobre su exhibición: Marina Abramovic: The Artistic Present, en el cual nos enseña la trayectoria y la gran envergadura que se propuso la artista para realizar su primer show en uno de los museos más reconocidos internacionalmente.
Una de las metas de ella fue llevar al espectador a otro estado de conciencia, en el cual el concepto del tiempo se desvaneciera. Haciendo referencia al documental antes mencionado se afirma que lo que le parece propio de Live art es la dimensión temporal o, mejor dicho, la anulación de esta dimensión durante la experiencia de asistir y realizar la acción.
Existen otros artistas además de Marina Abramovic como Carster Holler, Christro y Jeanne- Claude, Sara Ramo, Marjetica Potrc, Abraham Cruz Villegas que trabajan la performance, así como otras formas de expresión de la que hemos estado conversando. Entre ellos, artistas de gran trascendencia y relevancia que no debemos dejar pasar por alto. Hablaremos aquí de un artista caribeño, Silvano Lora, quien se ha distinguido por sus diferentes trabajos que lo insertan en el Collage, la performance, entre otras categorías de este medio artístico.
Cabe señalar que en la República Dominicana el Performance toma cuerpo en los años 70s y se inserta en el arte dominicano desde hace ya varías décadas, sobresaliendo entre sus grandes creadores; por un lado, Geo Ripley y por otra Silvano Lora de quien hablaremos en este trabajo
Silvano Lora (1931-2003) Pintor, escultor y gestor cultural. Ha sido considerado un ícono del arte nacional y de sus luchas sociales en la segunda mitad del siglo XX. Nació en Santo Domingo, Desde pequeño manifestó oposición al régimen de Trujillo y una gran disposición para las artes visuales. Ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes a finales de la década del 1940, siendo parte de un grupo de artistas entre los cuales podríamos citar a; Ada Balcácer, Fernando Peña Defilló, Domingo Liz, Eligio Pichardo, entre otros.
En 1951 realizó su primera exposición en la Alianza Francesa. En 1954 viaja a Europa, visita España. Vive en París hasta el 1977. Lora estuvo en contacto directo con las vanguardias del momento estimulando así su interés por las fórmulas innovadoras[14].
Marianne De Tolentino, en un ensayo titulado: Silvano Lora el dominicano que conquistó París. presenta una exposición retrospectiva de Silvano Lora con el propósito de rendir homenaje a su inmenso talento e incomparable personalidad, en la historia del arte dominicano. Expresa que sus obras hablarán por sí solas… Refiere que Lora había llegado a París en los años 50, con la urgencia y la inquietud de conocer lo novedoso en el arte . El artista vivía para ese entonces en el contexto histórico de la dictadura de Trujillo. Marianne Tolentino señala, que Lora tenía hambre por descubrir la libertad y saborear la creación sin trabas. El artista realizó en ese momento y fuera de su país sus primeras obras que él llamó “Comestibles”. Se integró de inmediato a los barrios del arte y los artistas Montmartre y Montparnasse, además de integrarse a los círculos y cenáculos, al mundo de las letras y de la crítica, flanqueado de ideas e ideales que jamás abandonaría.[15]
Silvano Lora logró presentar exposiciones personales en muy buenas galerías como Iris Clert, y sus pinturas enérgicas y dramáticas, retuvieron la atención del publico. Lora nunca fue un bohemio latinoamericano, como tantos otros en París. Fue siempre uno, totalmente entregado tras la búsqueda de como ampliar sus conocimientos y lograr sus sueños. Se integraba a los intelectuales y a su tumulto creador, y no perdía de vista sus objetivos, sus convicciones, su pasión de hacer y de cuestionar.[16]
De otra parte, Marianne De Tolentino expresa que el artista, en París como en Santo Domingo y otros lugares del planeta era un ciudadano del mundo, nunca perdió tiempo. No solo dibujaba y pintaba incansablemente, sino que también enseñaba, animaba talleres para niños, organizaba eventos culturales. Ya antes de los 70 construía instalaciones, utilizando desechos, reciclando convirtiéndolo en arte. Su primera instalación titulada “Adversario de la Guerra”, con el cual él experimentó este crecimiento en todo París y sus alrededores de la capital francesa.
Así mismo, Lora, durante su estadía en Madrid conoció a miembros del grupo informalista El Paso y Mantuvo una estrecha amistad con el pintor dominicano Fernando Peña Defilló. En el año 1962 a raíz de la muerte de Trujillo regresa a República Dominicana y participa en la formación del grupo de Arte y Liberación que reunió artistas de diferentes disciplinas; poetas, pintores, escultores, músicos, gente de teatro; constituyeron un grupo disidente y murti-disciplinario unificado por las inquietudes políticas y sociales de la época.
Para ese periodo inició los murales que lo insertan en el arte efímero, realizados sobre cartón piedra o papel de estraza, con pintura corriente, colores elementales; negro, rojo, verde. Imágenes agigantadas por el diseño curvo, líneas verticales en la parte superior chocando con la aglomeración de casas, techos, platos vacíos y gentes en la parte inferior, que logran una dinámica de choque, de enfrentamiento.
Silvano Lora, fue deportado en varias ocasiones y tuvo que residir en el extranjero como exiliado político. En el año 1964 participó junto a Jaime Colson, Fernando Peña Defillo e Iván Tovar en la exposición Colectiva Cuatro artistas dominicanos, montada en los salones de la Alianza Francesa. Su obra Flor endémica, de 1981 ha formado parte de la colección del Museo de Arte Moderno de Santo Domingo.
Por su parte Ureña Rib, en el ensayo antes citado refiere que Lora falleció el 12 de julio del 2003 y que la muerte le llegó cuando todavía tenía proyectos por hacer, ideas visionarias propias del cambio de milenio. Su nombre quedó como un ícono del arte dominicano y de sus luchas comprometidas con lo social en la historia cultural de la segunda mitad del siglo XX.
En el 1992 montó El happening en ocasión del V Centenario del Descubrimiento de América. Su practica del mural en espacios públicos de alto tránsito, proponía su valor no solo como testimonio social e histórico, sino como perspectiva visual dinamizante.[17]
Silvano es un artista muy importante en el contexto de la performance, dentro y fuera de la República Dominicana. Pues es un artista de altos vuelos en ideales y mentalidad libre como el artista vanguardista que he conocido a través de diferentes décadas a lo largo de mi vida. Podría decir que fue un artista muy adelantado en esta vertiente del arte, me refiero a la expresión poética, refiere en las técnicas mural y performances y en el arte efímero algunas de las cuales en las que incursionó y de los eventos que fui testigo, en mis años de estudios en arte en Santo Domingo y participar como público de sus presentaciones en las ferias y eventos de la Plaza de la Cultura. Sus ideales revolucionarios, su sensibilidad y preocupación social marcaron su trabajo en el arte toda su vida. Por lo cual entiendo que debe insertarse en una propuesta social que caminó de la mano del artista en el recorrido de los eventos históricos que han sucedido en R.D.
Según cuenta el crítico de arte Efraím Castillo en su artículo “Collages y ensamblajes:[18] una obsesión de totalidad en Silvano Lora” 2010). las visiones que del Silvano le llegan, a Castillo, recordando a Lora después de su muerte, expresa como el artista le inducía, sobre los fenómenos que cualquier ciudadano dominicano debe vivir a diario, que peligran cambiando y rompiendo las estructuras vitales de nuestra débil cultura. Refiere además que Silvano construía sus collages, performances y otros medios para expresar su serie: “Homenaje a la inocencia”, en la cual manifiesta; que el hambre de los pueblos, como una peligrosa daga ocupa un vacío en el espacio”.[19]
Castillo afirma en su conversatorio sobre Silvano Lora, que éste siempre mantuvo el respeto a los correlatos del discurso estético. Aún insertando ciertas deformaciones de la realidad en sus obras, Siendo esta una de las razones en las que, a través de sus ensamblajes y performances, el pueblo dominicano, al cual él dirigía su producción. Lora para mí fue un maestro que se valió del arte para crear una obra didáctica y de gran reflexión social. Por ello como bien indica el crítico antes señalado, el pueblo percibía: escalón por escalón, el verdadero sentido de sus denuncias.
Los collages, ensamblajes y performance en Lora, se constituyen como una obsesión, que le servía de punto de partida, como una avertura, un camino para establecer una relación entre el discurso estético y la realidad nacional dominicana. Estos dos parámetros ocupaban el principio de su totalidad cuyo alcance él lo comprendía perfectamente.
En sus propuestas artísticas Lora podía abrir profundos surcos y lecturas dentro del tejido social, porque con el tiempo en la comprensión sobre su obra expresaría más allá de la simple lucha social. No obstante, los discursos lúdicos son los que alcanzan mayor penetración.[20]
Castillo se vale de la propuesta de Heidegger para definir y mejor entendimiento del arte expresado por Lora. Refiere que Heidegger definía la imagen del mundo, no como la reproducción de algo, sino como una especie de cuadro de lo ente en su totalidad. Se entiende de tal manera que solo lo es y puede ser, desde el momento en que es puesto por el hombre que representa y produce una decisión esencial sobre lo ente en su totalidad.
Explica Castillo, que, para Heidegger, construye la imagen del mundo, la propia historia del hombre, formada por las presiones de las particularidades esenciales de sus entornos y contornos. Las cuales podrían atisbar como capas sobre capas, como un enorme collage que se le añade constantemente. Es todo esto lo que en conjunto podríamos considerar el motivo fundamental que comprende el trabajo de Lora de los últimos veinticinco años en cuanto a su labor como artista.[21]
Para Lora, el collage alcanzó posibilidades infinitas, constituyéndose en un punto de denuncia, separando su propia manufactura de lo que escudriñan otros artistas con su representación. Para arribar a la importancia del collage y los ensamblajes Lora tuvo que descubrir, finalizando el decenio de los años 50 y cuando solo contaba con veintitrés años de edad, la utilidad, no solo estética, sino tambien histórica, de su manufactura.
Cabe decir que Lora siempre fue un estudioso de la evolución del hombre, él sabía que <<el pensamiento divergente constituía parte del modelo sistemático de la sociedad>> [22] dejando ver claramente que la misma creatividad humana se originaba en collage. Afirmando que todo estaba añadido. Es decir, superpuesto, como los componentes de un edificio.
Según comenta Castillo sobre la tendencia estética del collage, es que ésta probablemente surge dentro de la revolución cubista, la cual representaba toda una síntesis cuyo génesis era preciso ubicarlo en el mosaico y que estaba seguro, que había marcado el interés de Braque y Picasso para convertir esta fase del cubismo en una poderosa expresión estética que había sobrepasado el presupuesto histórico del movimiento además había desembocado en una nueva expresión plástica.
Existen diferentes técnicas a la hora de crear un collage inmenso como los que creaba Lora. El collage se apoya, o en la incorporación de grandes capas de material pictórico, o también ceniza, aserrín, arena, virutas de madera, plástico, yeso u otra sustancia, utilizadas por los artistas con el propósito de escudriñar nuevas posibilidades.
Refiere el crítico antes mencionado, que él mismo en una ocasión había realizado un documental sobre una obra de Lora titulado Grito y sentido alrededor del grito, éste le confesó que la técnica del collage le había cautivado desde comienzos del decenio de los cincuenta, mientras estudiaba el cubismo y que Lora había llegado a la conclusión de que tanto Picasso como Brake, más allá de la incorporación a sus obras de esos fragmentos de realidad en donde confluyeran
respuestas alternativas y abiertas. De ahí que no hay duda, que, aunque las obras iniciales de Lora en los años 50s,-59) no surgieran señales de collage sin embargo afloraran cinco años más tarde a manera de experimentación académica, afianzándose en su serie sobre la Exploración del cosmos –Homenaje al Sputnik ( 1957 ). Así como en sus producciones orgánico-mecánicas del periodo 1959-61. Silvano le señaló a Castillo que el collage le había abierto a su producción, en lo referente a ciertos efectos tridimensionales, la posibilidad de practicar un acto más socializante entre el objeto de arte y el pueblo. Es decir, que para el artista su producción no estaba limitada a un solo receptor, a un individuo, sino al ser plural que se alojaba en el pueblo, Por lo que recalcaba con énfasis las palabras arte-pueblo, afirmándolas como un referente de entrañable valor en su obra futura. Para ese entonces Lora se consagraba en los correlatos que posibilitaban la identificación de la obra producida en collage con la lectura de ésta. Por otro lado, llamaba su atención hacia el análogo que lo atraía inmensamente: el desciframiento de los signos musicales, donde los espectadores que escuchaban quisieran o no, debían apelar a una simple equivalencia que los conectara a los sonidos de la naturaleza. Afirma que, para aquel ejemplo, él, Efraím Castillo, tenía que hablar ampliamente para poder explicarlo de manera más simple. Detenerse en una composición musical y compararla a un collage sonoro, en el que los elementos utilizados en la textura representan unos sonidos ambientales que hoy ya no se perciben, como fueron creados ni quienes lo iniciaron hace miles de años para reproducir en el silencio de la caverna, los espíritus de la selva, de los ríos, del mar o de la lluvia… No obstante Silvano que era un artista dotado de gran sensibilidad, además no era un advenedizo, pues siempre fue un estudioso de la evolución del hombre y sabía que el pensamiento divergente constituía parte del modelo sistémico de la sociedad, aseverando que la misma creatividad humana se originaba en collage. Que “todo está superpuesto, todo está añadido ”
Hemos establecido desde el principio lo que es el arte efímero, la performance, el collage y otros medios modernos de expresión artística a través de dos exponentes muy importantes en el arte, que me han impactado a través de la lectura y que encuentro conectores entre ellos a pesar de cada uno vivir en una cultura diferente. Me refiero primeramente, a Marina Abramovic de quien antes hemos hablado y Silvano Lora, artista dominicano al cual hemos referido en este mismo trabajo
En Marina Abramovic es importante destacar que el cuerpo de la artista performance es el soporte de su obra, su cuerpo se convierte en material prima con lo que experimenta, explora, cuestiona y transforma. El performance como género le permite a la artista buscar una definición de su cuerpo y su sexualidad sin temer a pasar por el tamiz de la mirada de su cuerpo. Al tomar elementos de la vida cotidiana. Como material de trabajo la performance explora su problemática personal, política económica y social.
Por un lado, una de las metas de Marina Abramovic son las de llevar al espectador a otro estado de conciencia, en el cual el concepto del tiempo se desvaneciera. Haré referencia a un documental Marina Abramovic: The Artist is Present, en donde las palabras de la artista hablan por si solas.
Indudablemente utiliza su cuerpo como vehículo para sus concepciones estéticas. Es decir, la búsqueda de una relación más directa y espontánea con el espectador, a través de una exaltación del cuerpo. Sus acciones y sus relaciones en un espacio y tiempo específicos
Por su , Silvano Lora a pesar de trabajar el Collage en sus creaciones e instalaciones dialoga con Marina, en cuanto a que ambos buscan comunicarse en forma directa y espontanea con el espectador; cada uno a través de su medio y dentro del contexto social y cultural que vive. Sus acciones y su relación con el espacio y el tiempo especifico, ese cronotopo que domina en cada etapa que vive el artista. Ambos utilizan elementos de la vida cotidiana para explorar la problemática personal y política. En el caso de Lora plantea un discurso denunciatorio de los males que afectan la sociedad de su país, lo social y político, lo humano del hombre.
Por otro lado, Silvano Lora, plantea en sus collages denuncias y temas que refieren y lo insertan por un lado en lo autóctono, la cultura, una dictadura, luego una guerra civil que obviamente se proyecta en el arte y la cultura de Lora y sus contemporáneos,
Su compromiso con el arte se proyecta por lo general es tal y como hemos comprobado en el excelente artículo que nos arroja más luz para estudiar y conocer sobre la obra del artista. Me refiero al que escribe Efraím Castillo, el cual posee amplios conocimientos de la trayectoria de Silvano Lora y gran conocedor del arte en general.
[1] Medianta Nieto y Darío Humberto . Tesis doctoral “La experimentación como ruptura a las formas de expresión canónicas del arte posmoderno”.
[18] Efraim Castillo. Collages y ensamblajes . (http://efraimcastillo.blogspot.com/2010/08/collages-y-ensamblajes-una-obsesion-de.html
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